A obra interroga o lugar do artista no processo de criação, confiando parte do gesto pictórico a uma força natural: o vento. Posto em movimento pelas correntes de ar, o pincel produz traços imprevisíveis, transformando o vento em um verdadeiro agente e deixando que a natureza conclua a obra. O vento adquire uma escrita própria.

Ao abandonar simbolicamente seu pincel ao vento, o artista levanta, por fim, uma questão essencial: quem é realmente o autor da obra, aquele que idealiza o dispositivo ou a força natural que produz o gesto?

O minúsculo fragmento de plástico azul encontrado em uma praia é colocado no centro de uma moldura preciosa: é elevado à condição de fóssil da era do Antropoceno. Os resíduos plásticos que a humanidade mistura à natureza persistem, indiferentes ao ciclo natural de decomposição.

Ínfimo em tamanho, mas quase imutável no tempo, esse fragmento se torna testemunha de nossa passagem e de nosso impacto sobre o meio ambiente.

«Horizon» possui duas faces que propõem duas visões diferentes de uma mesma paisagem. Suspenso, o quadro gira ao sabor do vento e nunca se fixa definitivamente em uma face em detrimento da outra. O espectador vê aparecer, alternadamente, duas atmosferas, duas percepções de uma mesma realidade, mas um único horizonte.

O que parece ser um limite se torna, então, um espaço de passagem. A obra lembra que uma mesma realidade pode revelar rostos diferentes conforme o ponto de onde a observamos.

O título «Now Futur» cria deliberadamente uma tensão entre duas temporalidades: o agora e o amanhã. O futuro deixa de ser apresentado como um tempo distante e abstrato; ele já está contido naquilo que produzimos, consumimos e abandonamos hoje.

Os quadros podem ser vistos como uma forma de arqueologia antecipada: eles nos convidam a olhar nosso presente a partir de um futuro imaginário e a nos perguntar quais vestígios de nossa civilização lhe sobreviverão.

O futuro talvez não seja o que virá depois de nós: é aquilo que já estamos deixando para trás.

A obra explora o encontro entre o ser humano, a natureza e uma dimensão espiritual que parece transcendê-los. Pelo jogo de formas e cores, várias dimensões se encontram simbolicamente: a terra, o homem e o céu.

As linhas coloridas que percorrem a composição desempenham um papel essencial. Em vez de separar as formas, elas as colocam em relação. As fronteiras se tornam zonas de encontro, como se cada elemento só pudesse verdadeiramente existir em relação aos outros.

«A Unidade Celeste» convida, assim, a superar as oposições visíveis. Por trás da fragmentação das formas e das cores, desenha-se a ideia de uma unidade mais profunda: o homem, a natureza e o universo não seriam realidades separadas, mas diferentes expressões de um mesmo todo.